UNIVERSIDAD PEDAGOGICA NACIONAL

LICENCIATURA EN FILOSOFIA

LORIETH MOLINA TORRES

24/04/2023

La canción que escogí es la siguiente: https://youtu.be/-Ra8dkWpvoQ

En el año 2002 Coldplay sacaba In My Place. Es una canción de rock con un tono profundo y oscuro que evoca una situación sumergida en la incertidumbre junto a nuevas emociones. La letra parece transmitir una sensación de lucha interna y desesperanza, a su vez una contra lucha para no caer en la agonía de no nadar dentro de esta incertidumbre.

Esta canción tiene una melodía sencilla y simple pero, con una letra profunda debido a que habla de como las personas habitamos este mundo, a su vez que estamos expuestos a vulnerabilidades que nos construyen como lo que hoy por hoy somos, así podemos comprender la manera en cómo nos movemos en el mundo, del espacio que habitamos y en el que nos tocó vivir y como enfrentamos nuestros problemas. Es interesante como se ilustra la necesidad de la otredad entre los seres humanos y esto es lo que hace que nos busquemos constantemente y nos reconocemos por medio del otro nuestras debilidades y fortalezas en si mismos y en el otro, es una canción nostálgica con su toque de optimismo. A lo largo de la canción vemos cómo se habla de una persona, que siempre a estado en un mismo lugar y pertenecido a el y pues quizás esta situación lo mantenía agobiado pues, estar en una situación nos acostumbra a vivir las mismas cosas lo mismo de siempre y salir un poco de la rutina está bien aunque el mismo expresa que era porque tenía situaciones que no podía cambiar, manejar, mejorar esto creando un olvido de si mismo su realidad no está muy alejada a la realidad de nosotros, en algún punto de nuestra vida podemos sentir estas cosas y que poderoso es tener canciones como estás para poder pasar por situaciones con actitudes más esperanzadoras.

Además se ve como nos expresa lo que realmente significa, el porque hay una persona que tiene unos problemas en su vida y por eso se vuelve hacia otra persona y le dice que no se vaya, que no lo deje a su suerte, porque aunque la otra persona decide irse, este sujeto también esperará a esa persona, y se ve que pone todas sus esperanzas en ella, pues es muy persistente en pedirle que no se vaya. Es interesante que hay una demostración de la necesidad de la otredad entre los seres humanos, como nos vemos a nosotros mismo a través del otro y como podemos conocer nuestras fortalezas, debilidades y hacerlas fuertes no es fácil pero sucede así en algunas situaciones.

Desde el punto de vista de la siguiente cita “Cualquier hombre, a la vuelta de cualquier esquina, puede experimentar la sensación del absurdo, porque todo es absurdo”. Esto nos muestra que cualquier persona puede sentir que la vida no tiene sentido en algún momento o lugar, porque todo lo que hacemos puede parecer sin sentido o no explicado. En otras palabras, todos son responsables de desarrollar su propia realidad y sentimientos en un mundo sin sentido. Por ende infiero que la relación entre la frase y la canción seda debido a que el cantante nos expresa su profunda melancolía lo que le hace sentir un sin sentido de la vida y es cuando se aferra a la esperanza de volver a ver aquella persona, sin importar el tiempo que deba esperar, pues, es en las personas en dónde se puede encontrar un verdadero sentido de la vida.

Referencia:https://aristeguinoticias.com/0301/kiosko/albert-camus-representante-del-existencialismo-ateo-aqui-9-frases/

Extremoduro- Jesucristo García y el Superhombre de Nietzche

 

Análisis filosofico realizado por Jonathan Pérez.

Extremoduro, La ley innata, es una canción transgresiva, que se ha convertido en un icono del rock español, puesto que su letra es una crítica a la religión y los profetas, siendo estos humanos que vienen a cumplir un rol de ser superior, pero en últimas resulta ser solo seres humanos que no alcanzan la perfección. Para describirnos este escenario, la icónica banda nos hace un ejemplo con un personaje ficticio llamado Jesucristo García, creado por Robe Iniesta, en donde dice el coro de la canción “Cuánto más Necesito para ser Dios, Dios, Dios” dándonos entender que es un ser humano normal que quiere llegar a una especie de divinidad, es juzgado y sentenciado por querer un cambio. Jesucristo García es un revolucionario, un visionario que cuestión el sistema establecido, pero a su vez es juzgado por una sociedad que lo señala por querer mejor las condiciones sociales. La canción de Extremoduro no hace referencia explícita al concepto de “superhombre” de Nietzsche, pero es posible encontrar similitudes. El Superhombre de Nietzsche es un ser humano que ha superado las limitaciones y las debilidades de la humanidad y ha alcanzado su máximo potencial. Es un ser libre, creativo, audaz y valiente, capaz de crear sus propios valores y vivir de acuerdo a ellos, sin dejarse limitar por las convenciones sociales o religiosas.  Jesucristo García es un personaje que encarna la figura de un “héroe maldito”. Es un personaje que desafía las convenciones sociales y religiosas, y vive su vida de acuerdo a sus propios principios y valores, en la canción, Jesucristo García es presentado como un ser humano con una gran fuerza interior, capaz de enfrentar cualquier desafío y superar cualquier obstáculo.  En este sentido, tanto el Superhombre de Nietzsche como Jesucristo García representan una rebelión contra las limitaciones y las restricciones impuestas por la sociedad y la cultura, la búsqueda de una vida plena y auténtica, basada en la libertad, la creatividad y la valentía.

Velociraptor vegano (2018)

 VELOCIRAPTOR VEGANO

La industrialización de la fuerza de trabajo animal ha generado ya bastantes preguntas por parte de la filosofía. Distingue directamente un problema por parte de la disciplina de la “ética animal” que se inclina por responder a la pregunta por el compromiso ético y moral que tenemos con los otros animales que habitan con nosotros el mismo planeta, muchos temas salen a juicio cuando se evalúa las condiciones de vida bajo las cuales pasan la mayoría de vida (valga la redundancia) y la decisión que tienen las industria sobre el lapso de su vida y bajo qué circunstancias en que debe morir el animal no humano, claramente supliendo alguna necesidad humana o (humana industrial) la masificación de producción de alimentos, las nuevas tendencias estéticas, la sobreproducción de alimentos y las condiciones de vida bajo las cuales se llevan a cabo las preocupaciones de la actualidad tienen de antemano una responsabilidad directa con un tema que para muchos parece algo oscuro de observar —¿Hasta dónde responde la dignidad de los animales no humanos?; al parecer el tema de la dignidad no es un tema únicamente humano, pues los animales responden a las afecciones que muchas veces nos acogen a nosotros mismos cuando se nos trata de manera injusta, pues tal como nosotros el dolor y el sufrimiento es algo que por naturaleza evitamos a toda costa, es un instinto primario de supervivencia, pues me atrevo a decir que por cuenta propia nos seriamos capaces de someternos a los procedimientos a los cuales los animales son sometidos. Hagamos de este mundo un lugar digno para todas las especies.

Javier Hernández

Another brick in the Wall

Santiago Samudio Velasquez 

No es muy difícil encontrar la filosofía que enseñarnos la canción solamente basta con leer el título (otro ladrillo en la pared) la canción nos habla de un sistema educativo retrógrada que no permite el libre albedrío entre los estudiantes y la libre expresión de la educación un ejemplo está en el principio del video cuando la escena empieza con un maestro burlándose de un estudiante por estar leyendo y escribiendo poesía en clase. Tanto el video como la letra de la canción nos muestran representaciones de estudiantes siendo sometidos por un sistema educativo “industrializado” realizando marchas de tipo militar en dirección a lo que parecen ser máquinas de procesamiento educativo y usando máscaras con la intención de esconder su individualidad, todo siguiendo a pie de letra la voz del maestro.

Por lado del análisis filosófico esta canción me recuerda a una cuestión abordada por Rene Descartes que sufren muchos pensadores de la historia, la cual iba así: “Hasta qué punto es necesario estar loco para llegar a una conclusión razonable” y es que no son muchos los momentos en que lo ordinario es el más puro reflejo de ignorancia colectiva; Donde el hábito se convierte en un reflejo de ignorancia colectiva, donde la idea de revolucionar puede confundirse con perturbar el pensamiento común en la sociedad.

La cuestión planteada está en ver cómo los ideales colectivos que la sociedad impone pueden afectar el libre pensamiento de los hombres. La letra de la canción nos dice: “No necesitamos ningún control del pensamiento” “sin sarcasmo oscuro en el aula” la canción es una crítica contra pensamiento oscurantista que puede existir en las aulas que busca de extinguir el libre albedrio educativo, todo con el fin de construir un modelo de educación fascista radical, por algo tanto el titulo como la letra de la canción nos dicen “considerándolo todo, eres un ladrillo más en la pared”.

La canción al ser una crítica a la sociedad es igual a la crítica que han recibido filósofos por parte de las instituciones sociales. Qué pensarían hoy los que acusaron y envenenaron a Sócrates por el crimen de corromper los pensamientos de los jóvenes Atenienses, o los que se burlaban de Diógenes por cargar una lámpara en plena luz del día con la misión de buscar un hombre, cuantos llamaron locas las teorías de Copérnico y Galileo Galilei hasta el punto en que la iglesia censurada sus libros solo por afirmar que la tierra no es el centro del universo, que pensaría el ciudadano que corto la capa de Baruch Spinoza en un intento por matarlo después de haber sido excomulgado por perturbar los ideales del cristianismo. Qué pensaría el maestro que se presenta al principio de la canción después de ver cómo su comportamiento hacia la poesía es de lo más retrógrada hoy en día.

 

Adiós a la vida (1980)

    

ADIÓS A LA VIDA

Dario Gómez

«La muerte es el sin respuesta».

Emmanuel Lévinas

Dios, la muerte y el tiempo

    ¿Qué sucede después de la muerte? ¿Qué es la muerte? ¿Qué significa morir? Estos y otros tantos interrogantes han girado alrededor de nuestra protagonista. Ahora bien, si la muerte representa un tema filosófico, lo hace solo en la medida en que encarna una pregunta fundamental sobre la existencia, la conciencia y lo finito. Esto con el agregado de que la pregunta por la muerte socava, a su vez, el sentido de la vida, ya que si nacemos para morir, entonces, ¿por qué o para qué estamos aquí? 

    Existe una amplia variedad de canciones que versan sobre la muerte, sin embargo, la que aquí me propongo analizar lleva por título Adiós a la vida, la cual fue elaborada por el cantante y compositor colombiano Dario Gómez, también conocido como «El Rey del Despecho». Así pues, y como ya se señaló líneas arriba, el tema filosófico que encarna esta canción gira en torno a la muerte y cuyo interrogante ha sido debatido y reflexionado por numerosos pensadores: desde las doctrinas presocráticas hasta nuestros días.

    En este orden de ideas, y adentrándome en el análisis de la letra de la canción, debo traer a colación una frase de Epicuro, la cual versa de la siguiente manera: «La muerte es una quimera, pues cuando yo estoy, ella no está; y cuando ella está, yo no». Esto para decir que la muerte es siempre la muerte de los otros, o en palabras de Lévinas, «… todo lo que podamos afirmar y pensar sobre la muerte y el morir, con su plazo inevitable, nos llega de segunda mano. Lo sabemos de oídas o por conocimiento empírico» (2005, p. 19). Así pues, mi experiencia de la muerte es una experiencia que no es experiencia, es decir, vivo la muerte de los otros, porque cuando llegue la mía no la podré experimentar debido a mi falta de consciencia. Estaré muerto sin saber que he muerto, pues solo muero para los demás. Es por este motivo que las canciones que hablan sobre la muerte suelen ser una dedicatoria para los otros y una proyección de lo que debería ser su comportamiento durante el entierro o el velorio. Darío, al inicio de su canción, dice: «Aquellos que me querían, mirarán con desconsuelo mi palidez cristalina. Mi cuerpo frío y yerto. Yo encabezaré la fila camino para el cementerio» y aunque él les pide que: «El día que yo me muera […], si alguno siente tristeza, que haga un silencio bonito», resulta imposible moldear la vivencia de la muerte, pues a pesar de que esta no es más que un paso o una partida, no obstante es también «… una fuente de emociones que se opone a cualquier esfuerzo consolador» (Lévinas, 2005, p. 20).

    En resumen, «cuando imaginas tu propio funeral, no imaginas la imposible situación de estar presente en él: imaginas cómo lo verían otros ojos» (Nagel, 1995, p. 72). Pues no podemos sentirnos muertos, ya que no hay ninguna experiencia que sea asimilable. Y si pensamos la muerte la pensamos como un cese de actividad, de potenciales posibilidades de realización, en fin, la pensamos como un olvido que seremos y un sufrimiento que dejamos: «Y cuando llegue el momento, en que la tierra me trague. Yo sentiré los lamentos: tierra y flores en mi carne. Y hasta gritaré en silencio cuando empiecen a dejarme». 

Autor: Elkin Ruiz

Bibliografía

Lévinas, E. (2005). Dios, la muerte y el tiempo. (M. Rodríguez, Trad.) Madrid: Cátedra.

Nagel, T. (1995). ¿Qué significa todo esto? Una brevísima introducción a la filosofía. (A. Monte longo, Trad.) México: FDCE.

 

El paso "Marty robins" (1959) Comentario y reflexión Jhon Sebastián llanten

 

La importancia filosófica de esta canción me remite a una noción de la estética de Nietzsche y es cuando afirma que todo lo bello tiene una historia trágica detrás, en la historia que nos narra la canción resalta la figura de Feleena, cómo el interés romántico del protagonista y el motivo por el cual termina muriendo, puesto que todo su entorno está envuelto en la violencia retratada en las historias de vaqueros, un trasfondo que nos remite a cuestiones, cómo el amor, la muerte, la traición, lo cual converge en la pregunta que nos indica ¿A dónde somos capaces de llegar por lo que amamos? ¿Que tan ético sería morir por ello en tal caso? 

Para ilustrar mejor lo anterior, vale la pena tomar como ejemplo el nombre del capítulo final de la serie Breaking bad, (Felina) Dónde en pocas palabras el protagonista de la serie termina muriendo por aquello que más lo hizo sentir vivo, sin embargo esto conllevó a la tragedia de muchos personajes a traves de la serie, por lo que en un sentido ético sería completamente inmoral afectar tanto a mi como a los demás por mis acciones, sin embargo si estas están envueltas en diversas circunstancias cuanto menos suficientes para abrir el debate hacia cuestiones sobre lo que corrompe al ser humano y entre tantas otras que dejan el debate filosófico abierto a varias percepciones.

Análisis filosófico de "Oh, ¿que será? Willie Colon

 

 Por: Jefferson Gómez

Willie Colon es un cantante con un gran repertorio musical cuyo genero  se compone  un poco al ritmo del son cubano y caribeño de los países latinos. Su gran obra musical  Oh, ¿qué será? (1981)  es una de sus canciones más abstractas y riquísimas en contenido filosófico.  Su radio de acción repercute sin querer queriendo en grandes pensadores de la filosofía clásica y medieval tales como San Agustín y Platón, entre otros.  Esta inextricable relación es un enigma, y su interpretación merece un análisis hermenéuticamente libre ya que como el mismo Willie lo dice: “Se trata de un tema incompleto porque le falta respuesta, respuesta que alguno de ustedes, quizás, le pueda dar”, no se puede objetivar su mensaje, de este modo el terreno está despejado desde el principio para edificar sobre él. Comenzamos descifrando su mensaje con estas líneas que siguen:

Yo creo en muchas cosas que no he visto, y ustedes también, lo sé
No se puede negar la existencia de algo palpado por más etéreo que
Sea no hace falta exhibir una prueba de decencia de aquello que es tan verdadero

San Agustín en su  gran obra magna De Trinitate (La Trinidad) expone vehemente la esencia o naturaleza de Dios que no es cuerpo sino espíritu, aquel que nunca muere, jamás cambia, todo lo comprende y lo conoce. Y se preguntaría Agustín, tal vez de esta manera ¿Quién sería tan irracional o necio de negar la existencia de este ente primero y último? Así, como en Willie ni por decencia o respeto se puede negar racionalmente la existencia de Dios. Aquel que es conducido por la razón no negara que es omnipotente, justo y bello en sumo grado;  por más etéreo que sea como lo anuncia Willie, no es que no exista por no ser visto, el mismo es la razón de la existencia; es la razón misma de la razón o anterior a ella y cuanto se manifieste, es su fundamento primero y ultimo y su naturaleza es inaprensible, todo intento por afirmar o negar su existencia es inútil, solo podemos pensar sus atributos o cualidades intrínsecas.

Más aun, el problema teológico de esta canción descansa sobre un enunciado que sin lugar a dudas habla sobre la esencia de este Gran Artífice “Que no tiene certeza y nunca te da, que no tiene concepto, y nunca tendrá, que no tiene tamaño” ¿Qué es aquello que no tiene concepto y nunca tendrá? Dios escapa a cualquier intento del lenguaje que se disponga a abstraerlo, su constitución supera estos preceptos lingüísticos y discursivos. ¿Qué será aquello que no tiene tamaño? Ha de ser el mismo Dios que es puro espíritu y no posee extensión. ¿Qué será aquello que no tiene certeza? La vida misma que es pura incertidumbre, por no ser la sabiduría misma. No obstante, parece que nuestro viejo Willie está obsesionado con Agustín: “Son fantasmas, somos fantasmas, siento la puerta tocar tres veces, Oh qué será!”. Ha de ser la muerte que nos está reclamando, pero ¿Por qué tocar tres veces? Quizás, especulando un poco está hablando de la trinidad el Padre, Hijo y Espíritu son una sola sustancia o esencia; si Dios está en todas partes y actúa inseparablemente lo podremos sentir, y más cuando toca la puerta es el llamado del espíritu que exige nuestra reincorporación.

En Platón nos referimos mas al plano eidético, es decir, el famoso plano ininteligible, nuestro amado Willie escribe lo siguiente: “Que vive en las ideas de esos amantes, que cantan los poetas más delirantes” ¿Sera una oda al amor? ¿Una musa que despierta constantemente? ¿Aquello que parece alcanzarse solo por momentos? ¿Un arquetipo perfecto y trascendente? Tendrá que ser la belleza y el amor, ese sustrato que nos rige y nos conduce actuar y queremos poseerlo todo el tiempo sin alcanzarlo plenamente. Es una canción que se pregunta sobre la existencia…  “Que no tiene decencia y nunca tendrá, que no tiene censura y nunca tendrá, y le falta sentido” Eso que no tiene decencia y nunca tendrá nuestro doble dionisiaco, desbordado, caótico, apasionado. ¿Qué le falta sentido? Tendrá que ser la inmersión que nos aprisiona en el mundo.

 

 

Análisis Filosófico

 

 

esta canción presenta un tema contemporáneo , como es la esclavitud moderna , planteada por el grupo como un resultado del miedo y una acepción falsa de la paz, que por el contrario se convierte en una guerra diaria donde somos perdedores, al participar en una sociedad que nos vende una paz a partir de una forma de vida a cambio de evitar una guerra (miedo) , ellos se contraponen a hacer parte de esa mentira,  entonces hacen una invitación a perder ese miedo y dejar de mentirse asimilando la normalidad como una tranquilidad  que evidentemente no existe y por el contrario vivir con vigor ,perdiendo los miedos y haciendo lo que a uno finalmente le haga feliz, partiendo de evitar la manipulación, una reflexión que hago con mi contexto, es que en Colombia la política se concentra en ofrecer paz y plantear un enemigo común, la gente termina aceptando toda esta retorica y finalmente termina cediendo a esa paz falsa donde son sujetos de manipulación y explotación y son felices con ese ambiente, yo estoy de acuerdo con el grupo de una reivindicación social, en donde no seamos esclavos  si no que vivamos de acuerdo a las facultades que cada sujeto maneja.

jose romero 

Análisis filosófico: "Un mundo infeliz" de Sylvania

 

Por: Camilo Beltrán Un mundo infeliz es una canción del 2016, homónima del segundo álbum de la banda española de power metal sinfónico Sylvania. Es la obertura al disco conceptual inspirado en la obra de Huxley: Un mundo feliz. La historia se desarrolla en un futuro muy lejano al nuestro, 500 años aproximadamente, después de aún mayores avances tecnológicos, las ansias de dominio y poder sucunmbieron a la tierra ante el desastre, luego de que el asteroide natural, fuese quebrado en medio de estas luchas por el control de los recursos y el poder, la contaminación terrestre llegó a su cúspide, llevándose consigo a la gran mayoría de la población mundial. solo quedaba en pie una megalópolis llamada Transylvania, donde una vez más, los poderosos, idearon las maneras de hacerse con el dominio, esta vez de una forma más discreta. Es así donde nos encontramos con una ahora reducida población que se vio afectada por el dominio clandestino a través de drogas que infunden placer, se han eliminado las libertades de pensamiento, religiosas y de valores, creando una nueva “única religión”, pues no es evidente ante su población que en realidad han sido hechos súbditos ante un nuevo dios, no por voluntad, sino por una persuasión muy discreta, la nueva generación que nació, ya estaba siendo manipulada genéticamente, y los que eran sus procreadores vivían complacidos con las nuevas leyes y regímenes que les había “salvado” del desastre, estos eran llamados marionetas, pero quedaba un pequeño remanente que se había resistido a cambiar sus ideales y no sucumbieron antes los placeres que satisfacían temporalmente, ellos eran los que resistían al nuevo dominio.

Es en este contexto que un mundo infeliz abre la obra donde se detallaran lo que viven los miembros de esta sociedad que a causa de sus ansias de sobrevivir y permanecer, fueron convencidos por los que prometieron un futuro próspero y armonioso, este era el nuevo dominio del cambio, aquí iban a ser liberados de los dolores que el mundo actual y los errores de los de siempre había ocasionado. Sin embargo, esta humanidad no sabía que estaban acordando ser parte de un nuevo régimen igual o incluso peor que lo que hubo antes. Los problemas filosóficos que se pueden ver en esta obra son varios, inicialmente, el problema del comportamiento del ser humano, donde una minoría lleva a la mayoría sobreviviente al lugar donde creen que es correcto, no hay oportunidad de dudas, si estas personas no entienden, no están de acuerdo o simplemente no quieren ser parte del nuevo orden, serán burlados, excluidos o inminentemente, eliminados. Veo esto no como un problema en sí de las doctrinas o ideas, sino de cómo los seres humanos, en muchas ocasiones, no queremos dialogar sobre las diferencias, sino eliminar a los que traen las diferencias. Otro problema, puede ser el asunto de cómo se organizan las sociedades. Algo muy similar a lo que sucede hoy, se habla mucho de que se crean las revoluciones y derrumbamiento del status quo social, pero como en la obra, es extraño que dicha revolución no se esté armando de abajo hacia arriba, sino al revés. En el álbum, son los dirigentes de Luna Quebrada (la élite poderosa), los que presentan las soluciones a todos los problemas que se dicen que estancan la sociedad, una de ellas cita: “Eliminaremos las religiones y todo el sistema de valores que oprimen nuestra sociedad”, y lo que terminan creando es una nueva “religión” mucho más reaccionaria que lo que existía antes. En últimas es una crítica muy fuerte a la sociedad que, como la obra en la ue se ha inspirado, toma realidades que existen ahora mismo y las lleva al extremo absurdo, a las consecuencias que incluso ya se viven, o se han vivido, para poner de manifiesto las calamidades a las que el ser humano por sí mismo se ha llevado. Hago la invitación a escuchar todo el álbum y seguir la historia para entender todo lo que ella implica.

Análisis Filosófico de el Parto- Zully Murillo

 Por: Francisco Ferrin Araujo 

Este canto a la vida de la Maestra Chocuana Zully Murillo, estrenada al publico el 09 de octubre del 2019, relata poéticamente como a vida esta inmersa desde sus inicios a la ritualizaciòn, esta se concibe mediante ritos amatorios y de esta misma forma se recibe, es un don de la creación y un acto digno de celebración. 

El ser humano desde sus primeros minutos de vida, esta transversalizado por las afecciones, mismas que lo acompañan durante toda su vida, hasta el termino de la misma, es por ello que desde las comunidades negras del pacifico colombiano a la vida se le canta, ya que es, desde ella y en ella en donde no solamente experimentamos la existencia, sino que gestamos trenzados dialógicos de infinitas posibilidades, es en ella en donde nos conectamos con diversas vivencias y generamos tejidos sapiensales de colectividad. La maestra Zully Murillo nos va a mostrar por medio de la poética de las melodías del mangle y el estero, como se ritualiza la vida por medio del parto, como unos rituales exaltan la llegada de un ser, y como esta practica es un símbolo de liberación para las comunidades, que estando bajo el yugo de la esclavización, celebraron mucho mas la muerte que la misma vida. 

Es en el parto en donde las manos se convierten en sabiduría y donde las practicas y saberes invisibilizados, resaltan una filosofía milenaria de los pueblos herederos del África y sus saberes, es en el parto en donde la maestra nos va  aponer en acción reflexiva; como la vida no solo debe ser vivida, sino celebrada en diferentes momentos, de diversas maneras. La vida que es un misterio, los pueblos negros la ritualizan desde la mística de la cual ellos se nutren, de los rituales que pasan de generación en generación, de los secretos que se trenzan en el dialogo sapiensal de los mayores y mayoras, y de la sapiencia que se materializa en actos de sanación, cuidado y celebración, 

El pueblo negro cholga la vida con esperanza, piangua la existencia con reverencia y boga saberes de cuidado, sanación y secretos; desde la alabanza colectiva de una mística que aunque para algunos extraña, insignificante e innecesaria, para el pueblo negro simboliza resistencia, resiliencia y reivindicación. Es allí dentro del parto, y los diferentes ritos y acciones del parir, en donde el pueblo negro ha simbolizado, su caminar y navegar diverso sin fin. 

Análisis filosófico de "Sober" de Tool

 

Andres Felipe Mariño Muñoz 

Canción: Sober de la banda TOOL 

El bajo es fuerte, la percusión habla, aquel sonido de la soledad abruma a quien escucha.  El recuerdo se intensifica, donde están aquellos que consuelan con palabras, con oraciones, ¿Dónde está la virgen María?, ¿Dónde se encuentra a Cristo? ¿Por qué no puedo empezar de nuevo? ¿por que no puedo estar sobrio? ¿Por que no se puede beber para siempre?
Tool es una banda de metal progresivo, se caracteriza por sus compases nada comunes. A través de su técnica la banda logra captar, en su composición instrumental, aquello que la letra de sus canciones deja en el campo de la interpretación.

 “Sober” es un reclamo humano, demasiado humano, de aquello que juzga, es un reclamo ante la todo aquello que nos mira con desdén. La invitación de la canción es a caer, volver, replicar, embriagarse de aquello que es vida, incluso en aquel posible suicidio que revitaliza la vida. Lo humano se traspone ante los diferentes reclamos, es un reclamo humano ante aquello que se posa por encima, ¿Qué podría decir el ser humano de volver a empezar a ser humano?

Análisis filosófico de "No Tan Deprisa - Joaquín Sabina"

 

Por: Maria Alejandra Angulo Ocampo

La primera vez que escuche a Joaquín me atrapo porque pensé: a este tipo no le gusta ni quiere nada, a quién no le gusta un cumpleaños feliz y un columpio en el jardín. Con el tiempo fui entendiendo a que se refería es cínico e incluso descarado en ocasiones. "No tan deprisa" es una de las canciones más recientes, hace parte del álbum "lo niego todo" (2017). Ya no es un Joaquín tan joven, su enfoque e intereses han cambiado, aunque le escribe al amor ya no le dedica un álbum entero. 

A veces olvidamos que somos humanos por ende finitos, asumimos todo el tiempo el mañana como cierto, como si en verdad tuviéramos el control de decidir que tenemos un "mañana". Se vive en un afán provocando el descuido constante del ahora, "unas horas tan muertas que no son horas" y se puede pensar que tan necesario es cumplir estrictamente con metas impuestas que en ocasiones ni nos gustan, tener tanto dinero como sea posible, realizar un montón de cosas al día para que seas productivo, debes ser siempre sociable, estar al día con las tendencias. Cuando esto llega y asfixia es necesario decir no tan deprisa y pensarse que esta ocurriendo realmente. 

Este proceso de reflexión involucra no solo mirarse a sí mismo, sino también su entorno y junto con esto entender tal vez porqué se actúa de tal manera y no de otra. Justo ahí, en donde desde la letra de una canción hasta una pintura nos conmuevan. Joaquín propiamente habla del amor y las pasiones de modo que desde ellas se entiende él y al mundo. Que si bien puede ser caótico también armónico, "borra mi jeta de la receta del ganador".    

Análisis filosófico de "Blue"

 

Canción: Blue Macaco ft. Jorge Drexler, Joan Manuel Serrat

Por: Daniela Celada

Esta canción, llamada “Blue”, del álbum “Civilizado como los animales” e interpretada por el grupo español macaco en colaboración con Jorge Drexler y Joan Manuel Serrat, hace referencia inicialmente por su nombre al planeta tierra y su característica azul debido a su riqueza hídrica, por consiguiente, el punto central, es el planeta tierra. Durante el transcurso de la canción podemos dar cuenta de varias frases que, personalmente, me llevan a pensar en esa insignificancia del ser humano frente a la magnitud del mundo y, aun así, la relación de supremacía de estos seres con respecto al planeta. La real insignificancia del ser humano frente al universo y su gran antropocentrismo, su ego. “Nuestro eco apenas llega unos milímetros en la perspectiva del universo”. Si el planeta por si solo es una pequeñísima parte del universo, un “diminuto planeta azul”, la existencia de, para nosotros, un ser humano con gran influencia y trayectoria no es casi nada en comparación al cosmos. Lo efímero e insignificante de la vida de un ser humano.

Del mismo modo, siguiendo la línea de la relación entre seres humanos y mundo, es de rescatar la mención de los excesos y las incoherencias que se dan en la vida misma y el sentido que le damos a las cosas “Diminuto escenario, repleto de sobrepoblaciones”, la palabra sobrepoblaciones más allá de pensar en población como gente, también me hace pensar en todo aquello que está desbordado, que no se puede contener debido a toda esa producción que se da alrededor y ni nosotros mismos, ni el mundo ya es capaz de acaparar, y muchas veces ni frenar.  

Por otro lado, la letra de la canción no solo hace una crítica hacia tal absurdísimo de la vida, sino también nos sitúa en un papel de gran importancia “Nosotros somos los actores, escribimos el guion y lo representamos” cargando de importancia nuestra existencia dentro del planeta y en consecuencia el universo, pero no de forma desinteresada y desvinculada con su entorno, nos invita a actuar realmente en nuestras vidas y hacer algo con ello, a la final da igual lo que hagamos “El punto de vista lo pones tu” solo interviene dentro de tal oportunidad que se da. Finalmente somos quienes posibilitamos lo que suceda o no suceda en el planeta y decidiremos si quedarnos con aquello ya planteado o mirar más allá, configurar para una óptima vida en sociedad.

Muy en general, considero esta canción filosóficamente relevante puesto que me lleva a cuestionar sobre mi existencia y la existencia en general, sobre qué es o qué debería ser aquello importante para vivir, cuáles y de qué forma se deberían dar las dinámicas de vida. Por qué, todo aquello que menciona la canción es de esa manera, ¿esta absurda supremacía del ser humano es casualidad, esta mirada que es exclusiva a sí mismo?

Análisis filosófico de "Molinos de viento".

Por: Stefanny Rodríguez Ávila.

Mago de Oz es una banda de rock en español. Principalmente lo que esta banda transmite es crítica a la religión, doctrinas, gobiernos, funcionamiento del amor, amistad, pobreza, esclavitud, idealización, entre otros.

En esta canción titulada "Molinos de vientos" viene de una parte del Quijote de la Mancha dónde se hace una metáfora con los molinos de vientos en el que el Quijote los ve como enemigos gigantes que le intentarán obstruir la conquista de sus objetivos.

Al empezar la canción dice: "Si acaso tú no ves, más allá de tu nariz, no oyes a una flor reír, si no puedes hablar sin tener que oír su voz utilizando el corazón". Lo anterior es muy esencial en la filosofía, el utilizar nuestros sentidos, nuestras percepciones para mirar las diferentes formas que la vida nos brinda y entender ese mundo de posibilidades. 

A lo largo de la canción se presentan frases como: "No todo tiene un por qué" y esto filosóficamente hablando, pueden ser, los problemas metafísicos. Grandes problemas que a lo largo de la historia siguen siendo un enigma al que le buscamos una solución y a lo mejor, una de las invitaciones que nos hacen aquí es que miremos lo que si podemos descubrir. 

"A veces siento al despertar que el sueño es la realidad". Esto es muy Descartes ¿no les parece? Cuando en sus meditaciones duda del sueño y la vigilia, se vuelve confuso ese desarrollo de lo que percibimos como real. 

¿Nuestras opiniones pueden estar envueltas en un sí y un no? Pues esto hace parte de una crítica que en la canción se muestra y aquí resalto los matices de la vida, no es negro o blanco, es gris y esto dependiendo de lo que nos esté sucediendo y es lo que nosotros mismos debemos buscar para tener una opinión personal.

La filosofía entra en esta canción en muchos conceptos y cada una de las aportaciones nos hace pensar eso cómo vemos al mundo a diario. Esta canción tiene un ritmo que acompaña muy bien la letra porque nos sacude, vibra, transporta a un mundo de pensamiento.

 

Análisis filosófico de La Cantata del Diablo - Mago de Oz

 

Alejandra Moreno 

La Cantata del Diablo es una canción que salió en 2005, de la autoría de la banda Mago de Oz, dura al reveedor de 20:00 min y tiene la participación de 14 artistas y músicos, y más de 20 instrumentos. Narra la historia de Azaak y su pareja aztecas que fueron sentenciados a muerte en la hoguera por rehusarse a abandonar sus creencias (Gaia, Diosa de la naturaleza o orden de la tierra), en la canción participan Azaak, su pareja (que encarna las palabras de la Diosa Gaia) y los conquistadores, al final de la canción es recitado el salmo de los desheredados, siendo este un crítica al Dios judío-cristiano.

Considero que está canción es una de las más completas que he tenido la oportunidad de escuchar, encarna perfectamente la problemática del pensamiento Latinoamericano y el paradigma que encierra la conquista en nuestra identidad, primero presentando una historia que probablemente englobe muchas de las situaciones que ocurrieron en ese atroz momento de nuestra historia y luego planteándonos el conflicto que se da en nosotros debido a la implantación de un Dios que asemeja casi aún monarca, y nuestra inevitable tendencia a buscar una esperanza metafísica más cerca de nuestra raíces de lo que tal vez somos consientes.

Musicalmente el componente teatral épico nos conmueve de una forma especial, podemos distinguir una melodía mucho más rígida y tormentosa, incluso hasta violenta en la ocasiones en las que encarna el inquisidor, y melodías muchos más fluidas en donde encarna Azaak, su pareja y Gaia.

El derrocamiento de la herencia colonial se deja claro en varios momentos, la convicción de no abandonar sus creencias a pesar de tener que morir por ellas, la maldición que manda en su lecho de muerte deseando el fin de la iglesia, el deseo de la libertad que ha muerto además de la quema de banderas.

En el primer momento, que barca casi toda la canción, el papel de las creencia en Gaia se asemeja más a la libertad que a la convicción religiosa tradicional que conocemos, Azaak no es un martir de Gaia cómo entidad, es un martir de su libertad, de sus raíces y de voz, todo eso encarnado en la creencia de la madre tierra, el no renuncia a sus rituales, le piden que renuncie a lo que lo hace él, a su identidad como azteca, cosa que no entienden los ignorantes y violentos conquistadores que desde su perspectiva solo ven salvajidad y falta de luminancia, al no consivir cómo persona a Azaak, solo les interesa que abandone sus costumbres para implantarle las suyas, solo ven “negritos a quien convertir” dirá Mago de Oz en otra de sus canciones.

Azaak después de morir maldice a la iglesia confirmándonos así que no murio por Gaia si no por su libertad y su identidad, finalmente la quema de las banderas es un símbolo del aniquilamiento en sentido divino, (entendiendo divinidad cómo el poder del orden natural, concibiéndonos dentro de el y no dueños de el) de la supremacía que busca el imperialismo y apoyándose en la iglesia como institución (que también se podría tomar dentro de símbolo de la bandera) y no como convicción moral del individuo, todo esto desde la perspectiva de Azaak. La problemática de identidad latinoamericana se ve aún más clara en el Salmo de los desheredados, cuando ya como sujetos colonizados y arrebatados de nuestra identidad nos presentan un Dios que no satisface el impacto de la desgracia del mundo actual que fue traído por la misma bandera de la conquista y que constantemente nos encontramos en el conflicto de no saber quién somos y necesitar algo que no es nuestro.

 "Análisis Filosófico de ( Lo poco que tengo de Ricardo Arjona)"

Por: Juan Felipe Pinto

“La felicidad está en lo que puedes comprar con tu poder adquisitivo”, esto es lo que evidentemente rechaza la letra de esta canción, la cual mediante sus palabras expresa como lo que parecen ser las «pequeñas cosas» no solo son suficientes, sino más que eso, son capaz de desbordar nuestro ser con complejos sentires de sublimidad, como lo puede ser el conmoverse por la luz de la luna o descansar viendo el atardecer. Así, la canción intenta rescatar muchos aspectos de la vida que no solo pasan por menospreciados además de ello por desapercibidos, al punto de suponer que nuestra experiencia sensible es efímera y sin sentido, pues vivir en el presente se pierde en las pretensiones del mañana.

El hombre debe cuidar de su experiencia inmediata frente a la realidad que lo rodea, conceptos como el “Dasein” del filósofo alemán Martin Heidegger parece que lo comprende bastante bien, pues al ser la conciencia arrojada en el mundo, está expuesta, pero así mismo constituye su esencia he identidad al elegir hacia donde dirige su atención como lo plantea el existencialismo sartreano. Lastimosamente en esta época la atención está siendo absorbida por lujos materiales como el dinero o medios de entretenimiento como el celular, tal parece que estos elementos condicionan nuestras elecciones de forma que la conciencia olvida detenerse para valorar aquello que tenemos y que nadie nos puede quitar puesto que nadie puede comprar.

Por lo mencionado anterior mente, no es difícil interpretar la canción como una crítica a lo superfluo de nuestro ritmo de vida, sin embargo también lo hace a un estilo de vida consumista  que pretende comprar la felicidad, pero esta «carrera por la felicidad» termina siendo una carrera por el éxito capitalista, y difícilmente puede haber algo que traiga mas infelicidad que perder la libertad de elegir el día a día para entregarlo a profesiones o trabajos que no nos satisfacen, de allí que se critique la sensibilidad que podamos tener, pues si la misma se enfoca en los lujos, así mismo nuestra vida se verá volcada en ese sentido, convirtiéndonos a nosotros mismos en un medio para un fin.

En ocasiones el afán del mundo pretende decir que quien vive con austeridad es aquel a quien no le importa nada; no podría estar en mayor desacuerdo con esta postura consumista, pues quien organiza su vida de tal forma que se preocupa por tener una vida bajo la austeridad es responsable por su consumo y en consecuencia está manifestando que le importa y mucho, por otro lado el querer apreciar los detalles sublimes he invaluables de la vida muestra de forma más que suficiente lo mucho que le importa su experiencia sensible y por ende la construcción de su ser.

Para culminar “Que lejos esta la fortuna, De lo que venden en la tele, Si es gratis ir a ver la luna Que no se queje al que le duele.” La canción es una invitación a detenernos, pensar en que tanto estamos dejando pasar y que tanto pretendemos para alcanzar la felicidad. Estas cuestiones quizá no dependan de nadie más que nosotros, pero la misma no llega sola, la felicidad desde un punto de vista Estoico está en la virtud de nuestras acciones, en la asimilación del momento presente, pues como lo decía Séneca “El mayor estorbo del vivir es la expectativa que depende del mañana y pierde lo de hoy. Dispones de lo que está puesto en manos de la suerte, abandonas lo que está en las tuyas.” Y en ocasiones lo que abandonamos es nuestra felicidad.

 

Análisis filosófico de “Rap para los fieles dos”.

 

Por: Valentina Sánchez. 

Principalmente me gustaría recalcar el sentimiento y la intención que retrata el Redcode en su manera de rapear esta canción, se vuelve muy profunda tan solo analizando el dolor y la pasión con la que canta cada una de las frases de este tema. Es una canción salida de la calle, salida de un barrio de la localidad de suba, hecha por alguien que a lo largo de su vida necesidad y dolor ha sufrido. Al comenzar hablando de la calle en sí, habla de secretos que tengan las calles, los andenes, las distintas vidas que han pasado y que pasan diariamente por un mismo lugar, lo cual me resulta muy importante de pensar, ya que damos por sentado la existencia de los lugares por los que andamos sin pensar más allá de qué situaciones han ocurrido allí mismo, “si esta esquina hablara cuanto nos dijera” es la frase que mejor resume esta simplicidad con la que nos movemos diariamente por las calles de nuestros barrios. También menciona unos cambios que no se sabe si sean sin querer o queriendo, han ocurrido a lo largo de los años, pues vivir años en un mismo lugar nos hace participes de la historia y de los cambios que este lugar tenga a través del tiempo. También me parece increíble la manera en la que logra retratar la inconformidad de la vida que hemos desarrollado en este sistema en el que nos encontramos, donde no importa la manera en al que nos estemos sintiendo internamente, necesitamos producir para poder vivir, necesitamos dinero para comer, necesitamos trabajar así no queramos, así seamos infelices, así nos queramos rendir, tenemos vidas y hasta la propia a nuestro cargo, lo cual nos hace dependientes de producir y gastar, “sudor y lágrimas, la plata le limita, a veces quiere irse mas aun le necesitan”. El titulo del tema resume lo que muchos amantes del rap sentimos al escuchar cada uno de los temas que diversos artistas nos proponen, el rap es y será de la calle y seremos fieles a este hasta donde nos lleve. Está también esta conciencia de saber que hay cosas muy mal en nuestro mundo, en nuestro sistema; somos conscientes y aterrizados en lo que hay y en lo que se ve, pero tenemos el rap como modo de expresión de esta inconformidad, como salida de este mundo tan dañado. Este artista propone el rap de la calle, propone un rap honesto que no come de fama o reconocimiento, es un rap de la vida y del sufrimiento. Cada una de las situaciones que vivimos nos hace lo que somos hoy en día, sabemos que cambiamos, pues nunca seremos lo mismo para toda la vida y valoro mucho que esto sea dicho, pues así deberíamos manejar nuestra vida, un constante cambio que solo sea representación de crecimiento tanto personal como intelectual. Vivimos para nosotros mismos, debemos apreciarnos como individuos que hacemos parte de una sociedad diversa y única donde experiencias nos hacen las personas que somos hoy en día.  “La causa es esa”, la vida es difícil y maluca, pero tenemos el rap para sobrellevarla, crezcamos y trabajemos en nosotros mismos cada día, que al final morimos y nada de lo que el sistema nos ha enseñado que tiene valor, lo tiene realmente, solo nuestras relaciones y situaciones nos dan lo necesario para existir mientras nos vamos. “Disfruto estar vivo en un mundo que me estresa” mi vida y sus situaciones difíciles me hacen querer irme de aquí, pero aun hay experiencias y vicios que me faltan por vivir y tengo el rap para que me acompañe en este viaje.

Análisis filosófico de "Cello Suite No. 1 in G Major, Prélude"

Por: Gabriel Farías

Durante nuestra existencia, nos bombardeamos de preguntas filosóficas que, si bien muchos la consideran triviales y de poca importancia, tienen un gran peso que pueden inclinar la balanza del rumbo de nuestras vidas.

            Preguntas como: ¿Quién soy?, ¿cuál es mi destino?, ¿tengo destino?, ¿qué es lo que debo hacer para alcanzar esa plenitud que exige mi alma?, ¿dónde está la felicidad? Y muchas preguntas más.

            Estas preguntas, fácilmente, pueden resultar en libros extensos que tratarían de responderlas desde diferentes perspectivas, pero, aunque tengamos todas estas soluciones en la palma de la mano, no siempre estaremos totalmente convencidos de dichas respuestas. El humano está en una constante búsqueda de sí mismo, de encontrar su finalidad, su esencia. Incluso cuando considera que no hay una esencia, una finalidad, para llegar a esta conclusión atravesó también por las preguntas anteriores, demostrando que, en algún momento tuvimos dichas inquietudes acerca de nosotros.

            En Cello Suite No. 1 in G Major, Prélude, compuesto por Johann Sebastian Bach, podemos apreciar desde una sonoridad esta preocupación filosófica que los humanos compartimos. Puedo reconocer cuatro momentos en la obra que me permiten relacionarlo con el comportamiento humano descrito con anterioridad. Primero, Nuestro reconocimiento como humanos. Segundo, El nacimiento y crecimiento de las preocupaciones en torno al ser humano. Tercero, la búsqueda de dar sentido a nuestra existencia. Y, por último, el hallazgo de ese sentido. Esta obra, desde mi punto de vista, es una muestra clara de la sed de encontrar un horizonte por el cual guiarnos. 

Análisis filosófico de "De nada sirve - Moris"

 

De: Jose Luis Cuervo Wellman

Esta buena canción me ha acompañado demasiados años de mi vida (más de los que me gustaría) sin saber si ella me a dirigido a mi, dándome el ejemplo de "lo que no hay que hacer" o yo a ella al ver en lo que se ha convertido para mi a lo largo de los años, pero éste es un buen momento para volver a analizarla ahora de manera filosófica o como mínimo encontrar algo en ella digno de análisis, y lo más próximo y primero que se me viene a la mente es su cercanía con "Demian" de Hermann Hesse, en la canción se ve la historia de un alguien que tiene una especie de mantra que repite en innumerables ocasiones (De nada sirve escaparse de uno mismo) pero si se ve, en el mismo se empieza de manera muy segura y hasta mofándose de tan obvia premisa, pero mientras más avanza la canción se nota como el personaje deja su calma para entrar cada vez más en un estado de desesperación producto de todo lo que se tiene que hacer para llegar a cumplir tan alto nivel de autoconocimiento, este viaje por su historia y vivencias de estar solo, ser despreciado y no valorarse, con el agravante dado por el mantra antes nombrado corta de raíz la opción de vivir como cualquiera, de trabajar, estudiar, ir de fiesta, viajar, meterse a un credo, aceptar ciegamente una ideología y lo que sea que se use para "escaparse de uno mismo" dejando de estar en la placidez y mofa ante el mantra en un primer momento a estar casi que en un estado de suspensión en donde la única forma de seguir es conocerse a si mismo, sin escaparse por medio de lo que sea que se encuentre.

Con esta breve contextualización de la canción se nota más claramente las relaciones que tiene con el personaje principal de la obra antes citada de Hesse (Sinclair), Sinclair es un sujeto cualquiera que tiene la mala/buena fortuna de conocer en su infancia después de situaciones problemáticas a Demian, el cual hará el papel de mantra (De nada sirve escaparse de uno mismo) debido a que en toda la obra siempre se notará la tesis aportada por Demian de "el camino al conocimiento es siempre un camino hacia nuestro propio interior" dejando así a Sinclair o también al protagonista de nuestra canción, en dicha suspensión antes nombrada, en donde se desvirtúa cualquier tipo de acercamiento a lo que sea que nos trascienda si esto no está mediado por el respeto y reconocimiento de nosotros mismos, haciendo del mundo nada más que el plano que usado correctamente nos da las condiciones optimas para conocernos a nosotros mismos, eso si nos damos cuenta que "de nada sirve escaparse de uno mismo"... 

Análisis filosófico de "El día que el mundo cambie"

 Esta canción escrita por el rapero bogotano Penyair la considero filosóficamente relevante dado que en su letra detalla una un mundo totalmente contrario, donde pasa lo contrario de lo que hoy vivimos como sociedad colombiana. Además, se hace la crítica al sistema económico y político que rige en el país, algo que la filosofía debería hacer siempre: criticar al sistema y ser antisistema. El Penya nos cuenta como se ha vuelto benévolo la vida de las personas, como las redes sociales han dañado tanto a las personas y sus interacciones sociales, de cómo la política se ríe de nosotros. Básicamente, la crítica al sistema y al ser humano.

David Ramírez