Análisis filosófico de That Bitch

 

Por: Tania Becerra

That Bitch es una composición musical que hace referencia a ciertos pensamientos de Bea Miller ―su compositora― frente a la industria musical. Por tanto, pretende expresar cierto sentimiento de liberación puntalmente femenina, en cuanto a las limitaciones y censuras dadas en su círculo de influencia. Dando cuenta de esto, los temas que abarca y el lenguaje utilizado en su composición, resultan poco comunes ―aunque posiblemente no nulos―a sus predecesoras, de modo que, marcó un antes y un después en la forma de caracterizar a esta artista.

Aun así ¿Cuáles son los temas que transformaron la estructura artística de Bea Miller? ¿Por qué se pueden considerar estos temas en un ámbito filosófico? Bea representa con esta canción una lucha por ser escuchada, de manera que a partir de una experiencia particular desprende diferentes problemáticas como; el mito de la fidelidad, la sumisión femenina y la desigualdad de género. Sin atadura de lengua se propuso escribir esta cancion, pues en palabras textuales ella afirma que; “Nadie se inmuta si un hombre dice "Suck my dick" en una canción. Literalmente a nadie le importa. Entonces pensé, ¿por qué es diferente para mí decir: "Chúpame el clítoris"? Definitivamente es agresivo, pero siento que hay que decirlo. La canción no es solo que yo quiera maldecir mucho y ser desagradable, solo trata de demostrar el punto de que deberíamos empujar esos límites y hacer estas preguntas.”

En consecuencia, aparentemente su tema de interés es la desigualdad de género, ejemplo de ello son sus afirmaciones como; “And since you are a dude, yeah, you can tell the truth, but as soon as I do, i'm a bitch” ― y como eres un tipo puedes decir la verdad, pero tan pronto como yo lo hago, soy una perra. ―, […] evidencia la distinción formada en la sociedad entre el hombre y la mujer, donde esta ultima es captada como meramente emocional y el hombre un sujeto analítico e inteligente. Por tanto, es mas evidente que es el hombre quien contiene la razón ―muchas veces― frente a diferentes temas, y la mujer es emocional y explosiva al presentar sus opiniones, por ello al construir su argumento, esta es tomada como una “perra” es decir, posiblemente una mujer grotesca y enojada, en lugar de valorar la fundamentación de sus proposiciones.

De modo que, la distinción entre el género racional ―masculino― y el género emocional ―femenino― propone un estado de complementación, consolidado las siguientes problemáticas en el amor romántico o pasional. Debido a la configuración de una mujer meramente emocional y afectiva, como podemos ver en el texto de Alicia Pascual Fernández “Sobre El Mito Del Amor Romántico. Amores Cinematográficos Y Educación”, que se inclina a ser una mujer servil, una mujer para el otro, donde se puede hacer referencia a la siguiente frase; “If you're a woman, you were made to pleasure me, but out in public, hide them shoulders underneath” ―si eres una mujer fuiste hecha para complacerme, pero en público debes cubrirte desde los hombros hasta abajo― la mujer es un ser para otro, se encierra en la monogamia, siendo ella quien se encarga del afecto hacia el sujeto masculino, se comprende como exclusiva para él, sin ser esto reciproco.

De esta manera se fundamenta gran parte de la canción, mostrando como la identidad de la mujer ha sido tradicionalmente sumisa y que, lastimosamente, aun se encuentra sujeta a un lineamiento patriarcal, donde sus opiniones no son del todo tomadas en cuenta, de modo que y para finalizar esta caracterización, la mujer actual y quien en este momento está interpretada en Bea Miller tiene que dar un salto fuera de la mujer para el otro, siendo de esta manera, aparentemente egoísta. Es por ello que, esta canción implica un problema de identidad en la mujer, pues esta se encuentra definida por rasgos que no le identifican y que al pasar los minutos se enfrenta hacia ellos, fundamentando su autoestima. Autoestima que Marcela Lagarde y de los ríos(2001), definiría como la autoestima en la mira feminista, la cual no solo se complementa por un montón de tips y recetas mágicas para que la mujer se sienta mejor consigo misma a partir de lo que desea la sociedad, sino que transforma el pensamiento de esta y da cierto empoderamiento a partir de su espacio laboral, familiar, académico y mental (pp. 20-25). That Bicth pretende representar a la mujer actual haciendo referencia a una experiencia particular, criticando al rol que esta tiene establecida tradicionalmente y por tanto su identidad, siendo de manera más inferencial, una propuesta de manifestar y construir una autoestima en la mira feminista, donde a pesar de todo siga hablando como si fuese más alta que los árboles, y pretenda dejar su yugo para no olvidar su parte individual que responde por si, fundamentando su inteligencia, argumento, voz y por supuesto, desafiando ciertas definiciones impuestas al construirse, expresando que “If I have to be, I'ma be that bitch” ― si tengo que ser, seré una perra.

Bibliografía

Lagarte y de los Ríos, M. (2001). Claves feministas para la autoestima de las mujeres. Autoestima y Género (pp. 20-25) Madrid: Horas y HORAS.

Pascual Fernández, A. (2016). Sobre el mito del amor romántico. Amores cinematográficos y educación. DEDiCA. REVISTA DE EDUCAÇÃO E HUMANIDADES, 10 (2016) março, 63-78

Analisis filosofico de Prendan la Radio - Tronic

Por: Cristian Osorio

Esta canción habla, de lo que en Latinoamérica vivimos a casusa de lo medios de comunicación. La información que los medios masivos nos brindan en la gran mayoría de los casos no son que pseudo verdades o verdades a medias, condenan a en muchos casos al oprimido y lavan la cara del opresor. Hemos visto como durante años regímenes van y viene en nuestros países, muchos de estos sin importar la ideología política que profesan, son opresores y terminan convirtiendo a los países soberanos en neo-colonias al servicio de las potencias. Me gusta esta canción, ya que cuando la escuche por primera vez entendí que no es la ideología política que se exprese o a la que tengamos afinidad; se trata de ser personas, de empatizar con los nuestros, tratarnos como iguales. En Latinoamérica y en especial en Colombia, los medios en su gran mayoría tienden a se instrumentalizados para la manipulación por parte del estado paramilitar. El estado o los personajes que durante años han conformado el estado son los mismos dueños de los medios masivos, los cuales utilizan para desviar el interés de sus fechorías. 

 

Análisis filosófico: "Mala mujer" - Sonora Matancera

 Por: Sergio David Hernández Sánchez

Mala mujer ¿Mátala, Mátala, Mátala, Mátala?: una canción de 1978

La canción aborda un tipo de relación afectivita enmarcada en el constructo de "amor tradicional romántico" muy extendido en el siglo XX y ampliamente criticado en la actualidad. En donde se espera algún tipo de subordinación y reciprocidad por parte de la mujer hacia su pareja masculina como parte de ese amor. Él cual de alguna manera determina (lo que dicho hombre entienda por amor) lo que debe, y se espera, en las acciones de la mujer, dejarlo satisfecho con su afectividad "femenina". Sí esta responsabilidad romántico afectiva no es realizada por parte de la mujer, y únicamente la mujer pues no parece haber medidas negativas para el hombre en caso de no satisfacer las afectividades de su pareja, se sugiere que todo tipo de represarías son validadas como en el caso de la canción, una infidelidad, donde ante tal "comportamiento no deseado" se presupone  y justifica un castigo como la muerte. Esto es mencionado vagamente en una estrofa --Con el amor no se juega, el querer es la verdad-- para después proseguir con el coro que es el que convoca este escrito --Mátala, Mátala, Mátala, Mátala--. Lo cual nos sigue invitando a reflexionar por el amor y el tipo de relaciones que vivimos (y vivieron nuestras madres, abuelas y muchas otras mujeres), para superar aquel pasado socialmente aceptado de la época, en donde se enmarca la canción: una supuesta justificación para matar mujeres por temas románticos. 

 

 

Análisis filosófico: Panoptikon - Catharsis.

Por: Nicolás Martínez Sabogal.

«El Panóptico funciona como una especie de laboratorio de poder. Gracias a sus mecanismos de observación, gana en eficacia y en capacidad de penetración en el comportamiento de los hombres; un aumento de saber viene a establecerse sobre todas las avanzadas del poder, y descubre objetos que conocer sobre todas las superficies en las que éste viene a ejercerse (...) debe ser comprendido como un modelo generalizable de funcionamiento; una manera de definir las relaciones del poder con la vida cotidiana de los hombres».

- Foucault, Vigilar y castigar: Nacimiento de la prisión (p. 209).

El panóptico, en un sentido moderno, refiere a una arquitectura carcelaria donde los condenados nunca saben si están siendo vigilados o no, esto debido a que el punto de control se ubica en el centro de la prisión y los vidrios que le recubren no permiten ver qué sucede en su interior, quién y cuando vigila; así, los condenados actúan dando por hecho una vigilancia constante. Foucault retoma esto para su análisis de las sociedades disciplinarias e incluso hoy en día sigue siendo una metáfora recurrente en los estudios sobre biopolítica.

Catharsis es una banda estadounidense de hardcore punk y parte de CrimethInc, una red anticapitalista y descentralizada de acción colectiva. Desde 1994, Catharsis hace música que critica el autoritarismo, las prisiones, la religión cristiana y el capital. Panoptikon hace parte de su álbum Passion, la canción empieza con unas palabras contundentes: «For you who choose bondage (para ti, que eliges la esclavitud) (...) Do you subjugate our nightmares, bend them to their ends (subyugas nuestras pesadillas y las usas para tus fines)». Con una intención de confrontar, esas primeras líneas parecen ir dedicadas a aquellos que optan por el sometimiento, al hombre que está en el centro del panóptico y tiene múltiples rostros: de político, policía, psiquiatra, patrón o cura. Líneas más abajo, «(...) Scouring through the bars at worlds we'll never know (buscando a través de las rejas, en mundos que nunca conoceremos). Lost in the city, the beaten crowds; those around you gagget and bound, smothered, caught, gasping in panoptikon (perdido en la ciudad, las multitudes están golpeadas; aquellos que te rodean están amordazados y atados, asfixiados, atrapados, fatigados en el panóptico)». Aquí la figura del panóptico se extrapola a lo urbano, es allí donde también existe la experiencia de encierro y sometimiento, ¿Qué tienen las ciudades para se permita trazar la similitud con la arquitectura carcelaria? ¿Las celdas serían las oficinas, las empresas, los medios de transporte? ¿Cuál es aquel mundo tras las rejas al que se refiere la canción? siguiendo esta la descripción del encierro es curioso pensar qué significaría realmente la libertad. Casi al final, están las siguientes líneas: «But what goes on in our minds goes on in your hearts (pero lo que está en nuestras mentes, está en sus corazones), denied all creation, destruction is our bitter art (negada toda creación, la destrucción es nuestro amargo arte). We'll slip through the cracks, we're not afraid (nos deslizaremos a través de las grietas, no tenemos miedo)». Dos cosas aquí: destrucción y huida; esta es la alternativa al gran panóptico que propone Catharsis, destruir aquello que nos confina y castiga, atrevernos a la acción y no temer nunca más a esa torre central de vigilancia que indica cómo vivir.

Esta canción nos habla de una experiencia común en las sociedades actuales. La experiencia de confinamiento y cansancio que brota un sistema de muerte; pero también nos habla de la ira, la conciencia de quiénes son los verdugos, de la posibilidad de cavar mil túneles, emprender la huida y sin miedo destruir el panóptico, para luego tejer la vida sobre sus ruinas.

Bibliografía. 

Foucault, Michel. Vigilar y castigar: Nacimiento de la prisión. Ed. 5, Buenos Aires: Siglo XXI Editores. 2006. 

ANÁLISIS FILOSÓFICO DE CONTIGO

Por: Bucky Santana

Contigo – La Otra ft El Kanka

Con esta canción se busca proponer un tema que puede ser relevante para la filosofía, como también mostrar que la filosofía puede ocuparse de temas tan variados como el amor y la feminidad.

Contigo es una canción cuyo contenido bien puede asociarse con el movimiento feminista. La libertad es el estandarte en el mensaje que se quiere dar, esto en relación con una figura de feminidad, y en ámbitos como las relaciones interpersonales. Por esto la canción para un análisis, puede dividirse en dos; por un lado, se mira el aspecto donde se habla del amor de una forma no romántica; por otro lado, el aspecto que puede relacionarse de manera clara con el movimiento feminista.

Entonces para empezar, y a propósito de los mitos del amor romántico, esta canción presenta nociones que pueden asociarse con mitos del amor, a los cuales Alicia Pascual hace referencia1. En expresiones como “Yo no me muero si no estás aquí, puedo andar bien caminando sin ti, no me haces falta ni eres mi media naranja en la vida, voy aprendiendo a curarme yo misma todas mis heridas” se puede notar una fuerte relación con dos grandes mitos sobre el amor que Alicia trata cuando habla del amor, cabe aclarar que la relación se presenta en la medida en que se rompe con dichos mitos. Dos de estos mitos con los que puede hacerse una asociación con la canción son: “(…) como se consolida en la dependencia entre hombres y mujeres, encontrando justificación en esa supuesta necesidad de complementación psicológica entre estos” y “Otro mito del amor romántico se basa en asociar la consecución del amor (completitud del ser) con la de la felicidad, haciendo del amor y la búsqueda de la otra mitad una meta vital”

Resulta interesante que medios como este, es decir, como la música, se presentan como principal fuente para la reproducción de estos mitos, y todo lo que ello implica, pero también pueden ser fuente de mensajes que corten con esa tradición. De esta manera, esta canción puede ser un paradigma de esas producciones que rompen con la tradición, y con el mensaje que puede considerarse hegemónico en relación con el amor.

El otro aspecto que se trata es la figura de feminidad. Contigo muestra una noción de feminidad que se distancia de la noción patriarcal, en la canción se presenta a la feminidad lejos de características como “(…) pasividad, el cuerpo y lo natural, dominio de los sentimientos, el ámbito privado y la capacidad de cuidar” características propias en un contexto patriarcal, así, expresiones como; “Quebrar el sistema, coger una escoba y en vez de barrer. Lanzarme a volar en la noche” evidencian la figura de la mujer que pretende liberarse de ese papel impuesto en un contexto ya antes mencionado, para acercarse a una libertad, libertad de la cual la figura masculina parece gozar.

Un aspecto para resaltar, y que puede ser polémico, es el trabajo en conjunto entre mujer y hombre en esta canción. Con el riesgo en caer en un error, me atrevo a decir que con la nueva ola de feminismo parece que se quiere excluir al hombre de todo lo que respecte la lucha del feminismo. Por esto parece un aspecto que cabe resaltar.

1 Pascual Fernández, A. (2016). Sobre el mito del amor romántico. Amores cinematográficos y educación. DEDiCA. REVISTA DE EDUCAÇÃO E HUMANIDADES, 10 (2016) março, 63-78.

Análisis filosófico de "Son del tren" Fruko y sus Tesos.

 Análisis filosófico de "El Son del Tren" Fruko y sus Tesos.

Siempre me ha parecido mucho más elogiable el hecho de plasmar ideas complejas en forma simple y comprensible para todos que el solo decir algo complejo o profundo y ya. Creo que Fruko y sus Tesos logra concretar la gracia de la dificultad de lo simple en esta canción. Empezando desde el grito que inicia la canción "Oye, que en la rutina de la vida estamos" indicándonos desde un principio que será un son dedicado a nuestra existencia, y no sólo a la existencia sino a aquella que ha caído en la monotonía, a aquello Heidegger denominaba "la angustia" una dimensión existencial a la que llegan los sujetos en algunas etapas de su vida. 

En la canción se habla de un tren que hace analogía a la vida humana, que como en nuestras obligaciones también tiene proyectos: Cargar los alimentos hacia el mercado. Pero, al igual que en la angustia heideggeriana, el tren se encuentra entre una disimetría con su entorno y consigo mismo, como se nota en la parte "Son del tren del camino que ha perdido su destino"  que hace analogía al sinsentido de la existencia, el estado humano que olvida los motivos por los cuales sigue viviendo, y aunque siga existiendo, siga andando, y diga que su vida es "ardiente y gozosa" realmente se encuentra sumido en un limbo, precisamente la disimetría se encuentra en decirse a sí mismo que "busca su destino" que "no se detiene"  a fin de cuentas, lo que Heidegger consideraba que hacía el humano, o el "Dasein", ante la falta de significatividad de la vida, a saber, abrirse un horizonte de sentido desde sí mismo, pero en realidad se encuentra en un momento del sinsentido donde lo único que contempla es la posibilidad de que las cosas cambien.

Es vuelve entonces la vida una carga, se vuelve un  "Soy viajero que lleva a la espalda su condena" ¿por qué el sinsentido de la existencia puede llegar a ser una condena? porque como la célebre frase atribuida a Dante "No hay dolor mayor que recordar los tiempos felices durante la miseria", la vida se vuelve una carga en tanto que nuestra propia existencia no tiene ninguna armonía y unidad, el sentido que se construye entre el sujeto y el mundo desaparece, como dice la canción "Son de la vida dura sin esperanza ninguna" se encuentra el sujeto ante lo indeterminado, la negación, en la angustia heideggeriana que el autor define como "la disposición fundamental que nos coloca ante la nada".

¿Y que nos queda entonces? En Heidegger nos queda una salida, que se encuentra en la misma enfermedad, y es en entenderla, entenderla como un "llamado hacia sí mismo para el cambio"

un llamado a la consideración de las posibilidades de ser en nuestras ocupaciones, a la necesidad de parar y pensar sobre nosotros mismos. Y en Fruko, nos queda una obra original, un himno de la monotonía, la belleza de bailarse incluso el sinsentido de la vida. 

Juan Camilo Rios Espitia

Análisis filosófico de: ¿Oh que será?, Willie Colón.

 Por: Sebastian D. Castro  V.

 

Alguna vez imagine hacer un análisis filosófico con esta canción, siempre me generó curiosidad su letra que dice muchas cosas, pero en ultimas no dice nada. Esta canción no es de la autoría original de Willie Colón, el autor original es   Chico Buarque cantante y compositor brasileño, pero en la voz de Colón debido a que la adapta a la salsa toma una estética diferente, le aporta más fuerza, por el contrario, en la versión de Buarque que es una Bossa nova y su orientación es más calmada.

Empezare por decir que la introducción de la canción me evoca a la metafísica Aristotélica en la que se plantea la búsqueda de las primeras causas y los primeros principios naturales, en el momento en el que  el autor dice  “Yo creo en muchas cosas que no he visto, y ustedes también”(Colón, 1981, 0:04-0:08)   me lleva a pensar que se refiere a los momentos en los que sabemos que hay algo más allá de lo palpable o de lo físico, algo que reposa en un plano diferente al natural, algo que no se puede ver pero está ahí, el mismo autor intenta responder a la incógnita que se plantea en principio “Es la naturaleza, sera, que será, Que no tiene certeza y nunca te da,  Que no tiene concepto, y nunca tendrá, Que no tiene tamaño” (Colón, 1981, 1:13-1:23)llevándome nuevamente a pensar que se trata de la metafísica clásica que estudia desde los principios naturales el porque de las causas.

Algo que se puede notar en la letra es que también se utiliza la teología como, respuesta a la incógnita planteada en varios momentos (Ohhh qué será), cuando Colón menciona “Y el mismo padre eterno que nunca fue allá, Al hombre nuevamente lo bendecirán, Apagando al infierno su llama final”(Colón,1981, 2:18-2:25) podría hacer referencia a que la respuesta a la incógnita inicial está realmente en el padre eterno, que en el lenguaje popular es Dios y que apagar la llama final es darle respuesta a esta pregunta. También se menciona constantemente que ese (Ohhh qué será) puede hacer parte de algo extranatural como lo son los “fantasmas” aprovechando para hacer promoción del álbum donde se encuentra esta canción “fantasmas 1981”.

Por otro lado, podemos apreciar que esta canción tiene una gran carga de contenido existencial, en algunos momentos se plantea el sentido de la vida y donde se encuentra este sentido, en los momentos en que el autor dice “Esta en la romería de los mutilados, Esta en la fantasía de los infelices, Esta en el día a día de las meretrices, En todos los bandidos y desvalidos” (Colón, 1981, 1:35-1:44) parece que hiciera hincapié en que el verdadero sentido se encuentra en todas las cosas, en todos los lugares y que vale la pena vivir la vida. La canción es una constante llamado a no perturbarnos por las preguntas sin respuesta, simplemente hay que saber plantearlas y responder a ellas de la mejor manera posible, un claro ejemplo de esto es cuando el autor finaliza la canción mencionando “ (Ohhh, qué será) Lo vive el bandido, el desvalido, Las meretrices, los infelices, El reverendo y el bombero, El presidente, el zapatero, Y las maestras y el carnicero, La ciudadana y el extranjero, También el juez y el farandulero, La enfermera, el timonero, El santero, el marxista, El bodeguero y el masoquista” (Colón, 1981, 5:15-5:45) claramente está haciendo referencia a que no somos los únicos que pasamos por luchas que nos conflictúan y por preguntas que en realidad no tienen respuesta pero si somos los responsables de hundirnos en ellas o saber que no somos los únicos que pasan por estos momentos.

Referencia:

Colón, W. (1981). Oh ¿qué será? [Canción]. Fantasmas. Fania Récords. https://www.youtube.com/watch?v=2jXtJxtoRd8.